Concevoir contre la gravité

Quel enseignant ou designer t’a le plus inspiré pendant ta propre formation ?

Les enseignants et designers qui m’ont inspiré pendant ma formation sont encore aujourd’hui ceux qui m’inspirent le plus. Je suis absolument amoureuse du travail de Daniel Ost, de Belgique, et d’Elly Lin, de Taïwan. Je trouve leur travail incroyable et je ne m’en lasse pas. Cela dit, j’ai eu de formidables opportunités d’apprendre auprès de certains des meilleurs enseignants, concepteurs floraux et artistes floraux du monde entier, et je ne serais certainement pas à la place où je suis aujourd’hui si je n’avais pas passé ce temps avec eux.

Esquisses-tu toujours tes créations avant de commencer à construire ou improvises-tu aussi ?

La plupart du temps, mes créations commencent par un croquis. Je suis un grand adepte du croquis d’un projet, tout simplement parce que je pense que cela m’aide à clarifier mes idées et mes intentions sur la manière dont je veux que l’œuvre ait l’air au final. Cela dit, je pense qu’il est toujours bon de laisser un peu de place à l’improvisation. Même si quelque chose ne ressemble peut-être pas exactement à ce que j’avais en tête au moment où j’ai commencé, ce n’est absolument pas un problème. Je pense que dans une bonne création, il faut toujours laisser de la place à un peu de spontanéité.

Il y a en fait plusieurs raisons à cela. La première est qu’une grande partie de mon entreprise repose sur l’enseignement. Nous proposons de nombreux ateliers pratiques et nous donnons également beaucoup de cours et de séminaires en ligne. Au fil des années, j’ai découvert qu’il est beaucoup plus facile d’enseigner avec des couleurs neutres ou plus douces, surtout lorsque je me concentre sur l’enseignement de notions comme les proportions, les placements ou la théorie. Je trouve que la couleur peut être une distraction tellement facile pour les gens lorsqu’ils apprennent l’art floral, donc cela a un peu à voir avec ma façon d’enseigner. Je pense qu’il est plus facile pour les élèves de saisir des concepts de conception plus détaillés lorsque la couleur n’entre pas autant en ligne de compte

hors de question, mais cela fonctionne aussi très bien dans toute mon entreprise. Donc, même si une grande partie de notre activité consiste en enseignement de l’art floral, je réalise également énormément de magnifiques mariages et événements de luxe pour mes clients privés et pour mes clients professionnels, et j’ai constaté qu’en conservant une palette neutre, je peux utiliser mon travail et mes créations de façon cohérente et employer les images et les choses que je réalise dans tous les aspects de mon entreprise. Je peux donc les utiliser dans mes cours et je peux utiliser des images similaires lorsque je parle avec des clients de mariages et de créations, et je peux aussi les utiliser dans mes œuvres artistiques, de sorte qu’elles remplissent plusieurs objectifs différents.

Diriez-vous que votre style a changé au fil des ans ?

Je dirais absolument que mon style a changé au fil des ans. Quand j’ai commencé, j’ai grandi avec beaucoup de concours d’art floral et j’étais donc vraiment un peu un caméléon. J’adaptais mon style pour qu’il corresponde au concours, à la mission ou au projet sur lequel je travaillais. Une fois que j’ai arrêté de participer à des concours, cela a été pour moi une belle occasion de prendre du recul et de réfléchir beaucoup plus à ce qui se passait réellement en moi, à ce que je voulais faire et à ce que je voulais créer. Cela a été un véritable voyage pour moi, et je suis vraiment heureuse du travail que je fais aujourd’hui.

Remarques-tu une grande différence de style entre les différents pays où tu as travaillé ?

Absolument, je pense que chaque pays dans le monde présente d’énormes différences, que ce soit dans les fleurs qui y sont populaires, dans les matériaux indigènes qui y poussent, dans la manière dont les fleurs sont présentées, ou encore dans les techniques qui y sont en vogue. Je pense que c’est aussi ce qui rend notre secteur si riche et si diversifié. C’est vraiment formidable d’avoir la chance de voyager et d’enseigner dans différents pays.

Préférez-vous recevoir une consigne précise ou plutôt une liberté artistique ?

J’aime toujours avoir un peu d’informations pour pouvoir avancer lorsque je travaille avec un client, mais j’aime aussi intégrer de nombreux aspects et idées différents dans un design. Donc j’aime un peu des deux : je veux savoir un minimum ce que mon client attend, mais j’adore également partir d’une page blanche. Je ne pense pas qu’on puisse faire mieux, en fait.

De quel prix es-tu le plus fier ?

Je pense que le prix dont je suis probablement le plus fier, ce sont les cinq médailles d’or et les distinctions « best in show » correspondantes du Chelsea Flower Show. Plus précisément, ma toute première médaille d’or et mon « best in show » au Chelsea Flower Show en 2009 ; je n’oublierai jamais que je les ai remportés. C’était comme le jour le plus fier et le plus heureux de ma vie.

Peux-tu expliquer ton processus de concours ?

Dans mon processus de concours, il s’agissait surtout d’appliquer tout ce que je savais, toutes mes théories, techniques et expériences, de la meilleure façon possible à la consigne. J’ai toujours eu le sentiment que les descriptions de concours étaient très généreuses. Elles te disent très clairement ce que le jury et les experts attendent de toi, et je pense qu’avec le temps et l’expérience, j’ai simplement appris assez bien à transformer ce que je savais en quelque chose qui correspondait vraiment à la consigne. Ça commence par beaucoup de croquis, trouver de l’inspiration, puis expérimenter, essayer de rassembler des idées, et ensuite on commence bien sûr la préparation et enfin l’installation.

Qu’est-ce que tu préfères dans l’enseignement ?

Ce que j’aime surtout dans l’enseignement, c’est aider à transformer l’état d’esprit des élèves. Quelqu’un peut arriver sans trop de connaissances, en se sentant un peu incertain ou un peu nerveux, et grâce au partage de ton savoir et à l’exploration du processus de création et de conception, une telle transformation peut avoir lieu. C’est vraiment l’un de mes aspects préférés de mon travail : travailler concrètement avec les élèves.

Peux-tu nous en dire plus sur la « liste d’expérience professionnelle » que tu as pour tes élèves ?

Les élèves de ma classe de fleuristes, ou éventuellement les élèves qui sont venus à mes cours pratiques dans mon école, peuvent s’inscrire sur la liste d’expérience professionnelle. Lorsque nous avons de grands mariages ou des événements, ou des installations ou projets passionnants, nous envoyons toujours des emails à cette liste d’expérience professionnelle pour voir si quelqu’un est intéressé. Les gens sont plus que les bienvenus pour venir, participer et apprendre de nouvelles choses sur tous les différents aspects de ce sur quoi nous travaillons alors.

Peux-tu partager un conseil pour les débutants en design floral ?

Mon meilleur conseil pour les jeunes concepteurs est vraiment de profiter du processus. Apprenez autant que vous le pouvez et restez aussi ouvert que possible aux nouvelles influences créatives. Je pense que le monde est véritablement à vos pieds : on peut voir tellement de choses sur les réseaux sociaux, tellement en ligne, et il existe tant de bonnes ressources gratuites pour les étudiants qui débutent. Alors n’ayez pas peur, lancez-vous, c’est vraiment l’une des meilleures carrières que l’on puisse avoir dans cette vie, à mon avis.

Comment recommandez-vous aux designers de trouver l’inspiration ?

Je pense que la meilleure inspiration vient lorsque l’on fait une pause. Si vous avez vraiment du mal à trouver l’inspiration, éloignez-vous de votre bureau, éloignez-vous de votre travail. Passez du temps avec vos amis et votre famille. Passez du temps dans la nature, détendez-vous et reconnectez-vous avec l’essence de ce que vous faites, avec votre éthique de conception, et à partir de là, vous pourrez, espérons-le, l’aborder un autre jour avec un regard neuf. Tout ne fonctionne pas à 100 % tout le temps, donc il faut simplement être un peu indulgent avec soi-même et prendre le temps de traverser ces blocages créatifs.

J’ai eu la chance, l’année dernière, de pouvoir travailler avec les fleurs Marginpar et il m’est vraiment impossible d’en choisir une seule préférée, donc je vais en citer quelques-unes. J’adore travailler avec l’Ammi de Marginpar. Je trouve que c’est tout simplement la meilleure qualité d’Ammi que j’aie jamais vue et, chaque fois que je les ai partagées sur mon Instagram et mon Facebook, les commentaires ont toujours été incroyables quant à la qualité, à quel point elles sont belles. C’est vraiment une fleur remarquable et magnifique. Je suis aussi folle de la Clematis Amazing® Tokyo. Je trouve que c’est une fleur absolument incroyable et l’on obtient tellement de fleurs sur une tige ; je la trouve tout simplement superbe. Je suis également une grande fan de la Clematis Amazing® Vienna. J’ai pu travailler avec elle très tôt dans l’année, juste au moment de sa sortie. Je la trouve vraiment splendide et je dois dire que c’est l’une de mes grandes favorites.