À l’intérieur de la European Floristry School - Partie 2

Concevoir avec émotion

Dans la première partie de notre visite à la European Floristry School à Sheffield, nous avons rejoint le designer floral belge Stefan van Berlo et découvert pourquoi une base solide, le souci du détail et un peu d’intuition peuvent faire toute la différence dans un design. Il est maintenant temps d’entrer dans la salle de classe voisine.

Le designer floral espagnol Daniel Santamaría travaille comme fleuriste depuis 35 ans et a été formé au début de sa carrière par le maître fleuriste allemand Gregor Lersch. Cette influence se voit encore aujourd’hui dans son approche technique, même si son travail a désormais développé sa propre signature Daniel Santamaría. Aujourd’hui, il parcourt le monde en tant que designer et enseignant freelance, partageant son savoir avec des fleuristes à travers l’Europe, l’Amérique du Sud et l’Asie.

Et une chose devient rapidement évidente pendant son cours : il y prend plaisir. La salle résonne de nombreux rires tandis que Daniel mêle l’enseignement à des histoires tirées de décennies de fleuristerie et de concours. Son approche est technique, réfléchie et riche d’expérience, mais jamais rigide. Au fil de sa masterclass, une idée revient sans cesse : le design doit avoir une dimension émotionnelle. Des bouquets debout et des compositions parallèles à l’importance de l’espace négatif, voici quelques-unes des leçons que nous avons retenues du cours de Daniel.

Redécouvrir le bouquet sur pied

L’un des sujets de Daniel est le bouquet sur pied : un bouquet construit sur une armature qui peut tenir debout de façon autonome dans un récipient peu profond rempli d’eau. La technique remonte aux années 1990, lorsque Gregor Lersch a commencé à développer ce type de bouquet. Daniel présente un exemple construit autour de nuances de bleu et de vert. Le Agapanthus Eyfori Blue foncé crée un poids visuel à la base. Au-dessus se trouve un col de fougères, suivi d’une couche bleu plus clair de Clematis Amazing© Oslo et de Delphinium Bella Andes Azure. Le Panicum Warrior, presque transparent, termine le sommet.

Le regard suit un parcours très clair. D’abord vers l’Agapanthus sombre, puis vers le haut à travers la couche suivante de fleurs bleues. Un élève fait remarquer qu’il est dommage que les clients n’aient souvent aucune idée de ce qu’il est possible de faire avec des fleurs. Daniel a une réponse claire. « Les gens ne sont pas idiots. Ils ne savent tout simplement pas. C’est notre travail, en tant que fleuristes, de leur montrer ce qui est possible et de leur apprendre. »

Parallèle plutôt que spiralé

S’il a le choix, Daniel préfère disposer les fleurs en parallèle plutôt qu’en utilisant une technique en spirale.

Pendant qu’il parle, il tient la base de la composition d’une main, fait tourner la structure et ajoute les tiges, apparemment sans effort. Pour une composition parallèle, il a une règle très précise : la lier exactement en deux points au bas. Pas plus. Pas moins. Même la construction sous les fleurs entretient un rapport visuel avec la forme finale. Lorsqu’un élève demande pourquoi les extrémités du fil forment une pyramide, Daniel fait remarquer que cette forme se relie à la structure au-dessus. Les lignes inclinées du bouquet forment une pyramide inversée. Tout est en relation avec tout le reste.

L’émotion plutôt que les mathématiques

Dans une autre composition, Daniel commence à ajouter des fleurs dans des tons de rose et de rouge : Astrantia Roma©, Clematis Amazing© Kyiv, Daucus Carota 'Dara', Phlox Pink Eyes et Panicum Warrior. Son conseil aux étudiants est simple. Asseyez-vous. Coupez chaque fleur individuellement. Placez-les à des hauteurs différentes. Pourquoi ? Parce que la variation crée de l’émotion. Mettre chaque fleur exactement à la même hauteur peut donner à une composition un sentiment de calcul, presque de mathématique. Le choix de la technique doit aussi correspondre à la finalité de l’arrangement. Une composition qui doit durer une semaine entière dans la maison d’un client nécessite des choix différents de ceux d’une pièce créée pour un événement de deux jours.

Tenant une tige de Clematis, Daniel explique pourquoi il enlève souvent le feuillage. Il aime voir la ligne de la tige. Trop de feuilles peuvent donner à un arrangement un aspect désordonné et détourner l’attention de ce qu’il veut que les gens regardent : les fleurs.

Le pouvoir de l’espace vide

Beaucoup des fleuristes dans la classe de Daniel tiennent des magasins de fleurs, donc la conversation se tourne naturellement vers les clients. Et les clients ne partagent pas toujours la vision d’un fleuriste. Daniel parle de clients espagnols qui demandent de grands bouquets bien fournis avec des Lilies, des Chrysanthemums et des Sunflowers. Il oppose cela à l’un de ses propres modèles préférés : des fleurs soigneusement positionnées, entourées d’un espace négatif délibéré.

Cet espace vide n’est pas toujours compris. Ne pourriez-vous pas simplement ajouter quelques fleurs de plus là-dedans ? Pour Daniel, la réponse est non. Les zones vides font autant partie de la composition que les fleurs elles-mêmes.

Cette idée revient dans le devoir suivant des étudiants : une armature en fil de fer dressée au-dessus d’un vase, avec des contenants en bambou tenant les fleurs. Les dimensions sont carrées, la pièce doit être aussi large que haute, vase compris, et elle doit fonctionner sous tous les angles. Daniel commence avec Eryngium Magnetar Questar©, Agapanthus Eyfori Blue et Aster Flash pour créer la structure, suivis de Daucus Carota 'Dara', Delphinium Bella Andes Azure et Clematis Amazing© Rome. Plutôt que de forcer les fleurs dans des positions prédéterminées, il observe leurs formes naturelles et laisse les tiges tracer des lignes à travers la composition. « Je regarde la forme naturelle des fleurs. Je respecte la manière dont la nature fonctionne. » Entre les différents groupes de fleurs, il laisse délibérément de l’espace. 

Ici. 
Ici. 
Et ici.

Rien n’a été oublié. Le vide fait partie du design.

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Différents designers, une leçon importante

Stefan et Daniel ont des signatures, des techniques et des façons de travailler très différentes. Pourtant, après les avoir écoutés tous les deux, un fil conducteur clair se dégage de leurs leçons.

Un bon art floral ne consiste pas simplement à ajouter plus de fleurs. Il s’agit de faire des choix.

Savoir quand une fleur apporte quelque chose à un design, même si ce n’est pas votre préférée. Comprendre la structure avant de commencer à la décorer. Observer la couleur, la répétition, la texture, les lignes et les espaces vides. Développer votre technique tout en laissant de la place à l’intuition. Et peut-être plus important encore : continuer à expérimenter. Car même après des décennies dans le métier, il y a toujours une autre fleur à regarder différemment, une autre technique à essayer et un autre design à découvrir.

Composition florale : Daniel Santamaría
Photographie : Joe Horner
Avec l’aimable autorisation de la British Florist Association